Avec Night Music (Versatile), ce musicien échappé du duo Zombie Zombie, signe un premier album résolument trippant, qui dynamite le krautrock et la « kosmische musik » des années 70.

Rencontre et interview, par Jean-Yves Leloup.

Lorsque l’on pénètre l’appartement d’Etienne Jaumet, le Français affiche la mine réjouie du gamin venant de déballer, au pied du sapin, son plus beau cadeau de Noël. Trônant au milieu du salon, son nouveau synthé, une copie du fameux Moog 55, vient en effet tout juste d’être livrée. Au mur, trois pochettes d’albums sixties signés Walter Carlos, finement encadrées, semblent confirmer que ce musicien de 38 ans, pourtant formé au saxophone, voue une passion dévorante pour ces instruments électroniques qui ont fait les beaux jours psychédéliques de la musique planante.

D’ailleurs, son premier album solo, dominée par « For Falling Asleep », long titre barré de vingt minutes, n’est pas sans évoquer les disques les plus créatifs de la grande époque de l’électronique cosmique. Construites autour d’un spasme de boite à rythme (l’éternelle TR 808), ses nappes vintage, ses boucles de synthés et ses complaintes de saxophone en forme d’incantation cosmique, possèdent une rare puissance sur les esprits qui, l’espace d’une quarantaine de minutes, souhaitent se débrancher du quotidien et rêver à un monde libéré du poids de l’apesanteur.

Cependant, malgré cette filiation avec les grandes utopies qui ont marqué les 70’s, Night Music évite avec élégance le piège de la nostalgie baba-cool, grâce à une maîtrise très personnelle de ces effets d’errance et d’extase, et à un mixage confié à Carl Craig. Son art de la retenue et de l’hypnose a apporté aux très belles divagations de Jaumet, une clarté et une vigueur que ne possédaient ni A Land For Renegades, le premier CD Zombie Zombie, ni même de nombreux albums seventies. C’est là l’un des traits marquants d’une nouvelle vague de musiciens et de DJs actuels qui, du génial et agité Romain Turzi, en passant par l’équipe de Dirty ou les plus tranquilles Studio, ont réussi à puiser dans cette époque lointaine une certaine liberté formelle ainsi qu’un sens de l’évasion et de la catalepsie.

http://www.myspace.com/etiennejaumet

Interview avec l’interéssé, menée au son de « The Movement Of People Working », de Phil Niblock, une musique dont le drone (le bourdonnement) et le souffle continu accompagne idéalement ses paroles.

En me montrant sa collection de disques et ses vinyles 70’s :

C’est justement cette optique que j’avais, ce genre de fantasmes qui se référait à ces albums des années 70 que j’ai beaucoup écouté comme Heldon, Fripp & Eno où il y avait une face avec un très long morceau, inventif et souvent très planante, et sur l’autre face, quelques morceaux plus courts et accessibles.

Tout comme Kraftwerk…

Tout à fait, à l’image de « Autobahn », par exemple.  C’est un modèle que je trouvais très intéressant. J’ai commencé par ce morceau de 22 minutes, qui démarre par une nappe de clavier, et par la suite les idées ont germé toutes seules. Voilà, j’ai commencé avec cette contrainte, et c’est devenu le premier morceau, « For Falling Asleep ».

J’ai découvert cet album, pendant l’été, chez mes parents. Ce qui m’a replongé dans mon adolescence lorsque j’écoutais ce genre de musique. Y avait-il pour toi ce même lien avec ton passé ? Ou est-ce un intérêt purement formel pour cette époque ?

Non, cette musique n’est pas liée à mon adolescence. Je l’ai découverte après. Après le rock et plein de choses. Evidemment, les musiques expérimentales demandent une autre écoute. Ce n’est donc pas lié à mon passé. Mais les sons et les instruments, oui. Ces sons que l’on entendait pas mal dans les dessins animés et les génériques télé m’ont marqué. Ou même le Top 50 de l’époque, (que l’on appelait le Hit Parade) sur les radios populaires comme Europe 1. Ces classements ont quand même accueilli parfois des morceaux aussi culte que « Oh Superman » de Laurie Anderson. Ou « Radioactivity » de Kraftwerk. Il y avait à l’époque des morceaux complètement extra-terrestres qui parvenaient à sortir et à se vendre en 45 tours. C’était génial. On trouvait à l’époque un foisonnement et une ouverture assez inédites. Ces souvenirs sonores me sont donc revenus comme ça, un peu intuitivement.

Et puis cet intérêt pour ce type de son, date de l’époque à laquelle les Cash Converters sont apparus, et dans lesquels j’ai découvert ces instruments. A la base, je suis saxophoniste, mais à l’époque les gens se sont débarrassé de leurs vieux synthés. En les manipulant, j’ai tout de suite su que c’était des instruments faits pour moi. D’une part, physiquement, tu vois le synthé là-bas, c’est plein de boutons, c’est donc très manuel et intuitif. Le geste créé le son. Je n’ai rien contre l’ordi, mais tu finis vite par faire la même musique que ton voisin. Pour moi, les synthés ont une âme, une âme analogique, du fait que les réglages ne peuvent être conservés, que le son dépend de ta façon de jouer, que les composants électroniques ont une certaine instabilité. Il y a des variantes dues à la qualité des composants, c’est une chose vivante, ce qui est très stimulant.

As-tu une fascination, une nostalgie, pour les années 70 ?

Je ne suis pas nostalgique au sens où je n’essaye pas de reproduire ce qui se passait avant, ce n’est pas la peine, ça a déjà été fait en mieux et tu coures à l’échec si tu veux récréer ça. C’est impossible de récréer ainsi le passé. J’ai plus simplement fonctionné avec des contraintes que je trouvais stimulantes, et pas spécialement liées au passé. Ces contraintes, c’était utiliser la longueur des morceaux, les instruments que j’ai autour de moi, les synthés et des instruments acoustiques. J’ai toujours fait la musique de manière instinctive et sans calcul. Je ne suis pas un grand technicien, mais je sais faire confiance à mes émotions, mon instinct. J’ai donc reporté mon savoir-faire dans une sorte d’acuité et de perspicacité permanente. Ce qui m’arrive, j’essaye d’en tirer tout de suite quelque chose d’intéressant. Je n’ai donc essayé de faire ni une musique passéiste, ni moderne, juste m’amuser avec ces codes. C’est différent de la nostalgie.

Bon, bien sûr, il y a chez moi une référence au passé, lié aux instruments, qui sont des instruments limités, qui ne peuvent pas faire des choses compliquées. Tu ne peux pas enregistrer et mémoriser les sons sur la machine, mais les fabriquer en tournant les boutons, et c’est très difficile de reproduire deux fois la même chose. Ca correspond plutôt bien à ma façon de composer, qui est plutôt de jouer avec les contraintes, les problèmes, plutôt que d’essayer de reproduire ce que j’ai dans la tête. Je n’ai d’ailleurs pas grand chose dans la tête.

C’est un album plus dédié au sommeil qu’à la nuit ? Chaque morceau semble décrire les étapes du sommeil.

C’est un concept qui est venu un peu après. En composant les titres, je me suis aperçu qu’ils avaient toute ces composantes dynamiques qui invitaient paradoxalement au détachement, de soi ou de son corps, en dansant ou en laissant bercer sa tête dans la musique, ou carrément en s’allongeant ou pourquoi pas en s’assoupissant. Le rythme est là, mais je ne suis pas un spécialiste de la percussion, j’essaye plus de créer des ambiances, de jouer avec les sonorités, de provoquer des hallucinations sonores. Un état extatique. L’idée c’est de transcender son état naturel pour ouvrir son esprit à l’inconnu, à la surprise, à l’errance, ça c’est un mot qui me plait beaucoup. J’aime l’idée d’avancer sans but. Ce n’est pas aller nulle part, c’est progresser sans but particulier. C’est ce que j’ai fait avec ce disque. J’ai juste joué, les morceaux se sont couchés tout seul, tout à été fait en une seule prise.

Après, ce qui compte, ce sont les conditions dans lesquelles on écoute la musique. C’est pour ça que l’album s’appelle « Night Musi »c, parce que je voulais que les gens l’écoutent dans une certaine condition. Et la nuit est souvent propice à plein de choses. Pas seulement la somnolence, mais aussi la danse, la décadence… Tout ce que l’on ne fait pas la journée. C’est plus ouvert. Les gens se transforment.

Phil Niblock, que l’on écoute en fond sonore, mais aussi la minimaliste Eliane Radigue, que tu as joué lorsque je suis arrivé, ce sont des choses que tu écoutes avec un vrai plaisir ?

Tout à fait, que j’écoute régulièrement et qui font partie de mon paysage sonore. Mais j’écoute aussi plein d’autres choses, du jazz, je vais par exemple voir Ornette Coleman ce soir, et j’ai une culture rock à la base. Et puis je joue dans plein d’autres groupes de chanson française comme Flop, ou pop-rock comme The Married Monk.

Y aurait-il une « morning music » idéale ?

Je ne sais pas. En Inde, il y a des morceaux adaptés pour chaque étape de la journée. Des ragas du matin, du jour, du soir, de la nuit. Chaque raga possède un certain mood, qui correspond à un état d’esprit.

Avant de sortir, j’aime bien écouter quelque chose d’énergique. Une fois rentré, des choses apaisantes et douces. Le matin, un peu de tout.

Ta formation musicale ?

Saxo vers 11 ans, dans une harmonie municipale. On jouait donc tous ensemble, il y avait une ambiance géniale, ça m’a beaucoup enrichi et donné envie de continuer. Arrivé à l’adolescence, à la fin des années 80, le saxo était complètement tombé en désuétude. Ultra ringard. Et comme j’écoutais du rock, j’ai laissé tomber pendant deux ans. Puis je me suis inscrit dans un conservatoire à Fontainebleau, et j’ai commencé à jouer avec d’autres groupes, du jazz et tout ça. Et arrivé à Paris, j’ai commencé à travailler plus sérieusement, avec Flop. Mais avant tout, j’ai une formation d’ingénieur du son. Je joue aussi du clavier, tout un peu mal et comme je peux.

Il y a peu de groupes aujourd’hui qui utilisent, dans le rock comme l’électro, du saxophone…

C’est un instrument très cher, beaucoup plus qu’un synthé. Un truc fait main, en cuivre, très compliqué à jouer, qui demande un apprentissage assez long. Ca décourage les jeunes. Ils veulent que tout soit gratuit, rapide, et puis il y a peu de modèles. Le jazz est en perte de vitesse, trop compliqué pour les jeunes. Pour ma part, j’essaye de m’approprier les instruments. De jouer. M’amuser avec. Et trouver ma propre expression.

Ta rencontre avec Carl Craig sur cet album ?

Une idée de Gilbert. Quand il a écouté, il m’a dit, ça me fait penser à ce qui se fait un peu à Detroit. J’ai le contact de Carl Craig, il est assez ouvert, il écoute des choses très différentes. On lui a envoyé et il a répondu rapidement, positivement, à notre grande surprise, car cela faisait du temps que Gilbert essayait de travailler avec lui. Et puis en plus c’est quelqu’un qui a un nom, une réputation, un statut. J’aimais bien cette idée de confier mon mixage à quelqu’un de complètement extérieur, parce que pour moi, l’enregistrement, c’est une photographie, et par la suite on peut l’interpréter de différentes façons, à partir du moment où c’est enregistré, ça ne t’appartiens plus, quelque part.

N’a-t-il pas fait plus que du mixage ?

Non, seulement du mixage. Il a travaillé sur le son et surtout il a viré des pistes et il n’a gardé que ce qui lui semblait le plus efficace et le plus pertinent. Je n’ai rien à redire sur son mix, qui est une sorte d’interprétation de ma musique. Il n’a rien changé sur la longueur des titres, des prises, il a juste coupé ce qui lui semblait superflu, et c’est très intelligent de sa part.

Il y a des moments très hypnotiques qui font penser à sa musique…

Bien sûr, il y a des correspondances, et c’est pour cela que Gilbert a fait ce choix. Mais Craig n’a rien rajouté comme instrument, il n’a pas fait de montage non plus, il n’a pas déplacé d’instruments ou d’instrumentation.

A-t-il rendu la musique plus légère ?

Plus percutante, plutôt. Avec un beat assez prononcé et plus efficace. Et surtout avec un son gigantesque. C’est normal, il est né avec un 808 dans les doigts. Et puis aussi plus psychédélique.

Il a aussi rendu les morceaux plus dancefloors. Certains peuvent désormais être joué par un DJ. Pas n’importe quel DJ, bien sûr, mais c’est possible.

En signant sur Versatile, je savais tout de même qu’il fallait aller vers cette direction, et puis je voulais vraiment utiliser la 808, c’est une boîte à rythmes que j’aime beaucoup, je ne m’en lasse pas, c’est un son qui sera toujours d’actualité. On ne s’en lassera jamais. Donc, Carl Craig a écouté et a capté tout de suite. Je lui avait envoyé un mixage brut, une mise à plat, pour qu’il se rende compte, mais qu’il n’a sans doute même pas écouté. Il a écouté les pistes une à une et s’est plongé dans la musique, et en a sorti ce qu’il fallait. Il m’a dit qu’il avait tout de suite compris d’où je venais, la musique qui me plaisait, que j’aimais « le rock allemand, le krautrock, et aussi Liaisons Dangereuses, le New Beat Belge ». Pour le new beat belge, je ne suis pas sûr qu’il ait eu raison (sourire), mais il s’en est très bien sorti.

Vous avez des racines jazz communes, au-delà de ces références.

Je ne sais pas, on n’a pas eu le temps d’en parler. En gros, on a plutôt parlé synthé et cul. On a notamment parlé de Lil’Louis et de ce morceau génial, « French Kiss », qui m’a beaucoup marqué à la fin des années 80. C’est un chef d’œuvre absolu, sans doute aussi important qu’un morceau des Beatles. C’est un étalon de la musique moderne. D’ailleurs Lil’Louis a écrit une autobiographie où, plutôt que de parler de la musique, il parle de comment faire plaisir aux femmes. Il raconte sa vie sexuelle, ce que je trouve assez classe.

Dans le très beau texte qui accompagne le livret du CD, Ivan Smagghe semble dire que tu ne connais absolument rien aux musiques électroniques actuelles…

Je découvre. Grâce à Versatile, à force de jouer en soirées, je rencontre des artistes, même si je n’ai jamais été très boîte de nuit. Mais je suis très content, c’est stimulant, j’aime être confronté à des choses que je ne connais pas. Je m’aperçois que l’on peut faire des choses aussi chouettes avec des ordinateurs, mais c’est rare.

Tu as l’air de butiner de scènes en scènes depuis le début de ta carrière…

Je ne sais effectivement pas faire autrement. Je fais la musique par plaisir et je n’ai pas d’objectifs particuliers, de carrière, tout se fait au fil du hasard et des rencontres. Le plaisir de jouer est peut-être mon seul fil conducteur.

Cependant, cet album est aussi l’occasion de t’immerger dans un univers volontiers plus personnel, comparé aux nombreux groupes auxquels tu participes ?

J’ai développé ici ce que je n’avais pas eu le temps de faire avec mes autres projets. C’est mon premier album solo. Auparavant, j’avais fait « Repeat Again After Me », mon premier single solo, qui m’avait bien encouragé, tout comme Gilbert, à me proposer un album. C’est donc un album intérieur, qui obéit au seul plaisir de mon cortex.

As-tu découvert des choses sur toi, en composant cet album ?

Disons que je découvre la cohérence du disque et du propos, au fil des interviews. Ce n’était pas forcément très net quand j’ai commencé à enregistrer, je voulais faire un disque à la fois méditatif et dynamique, mélanger l’acoustique et l’électronique, je ne pensais pas que ça toucherait autant de gens. Je travaille avant tout pour moi, et d’ailleurs j’écoute beaucoup ce que je fais. J’ai beaucoup de plaisir à jouer ma musique mais aussi à l’écouter. Ca peut paraître égoïste, mais il y a là quelque chose qui me nourrit.

C’est une musique jouable sur scène ?

Tout à fait. Tout à été enregistré d’un seul coup, je peux jouer seul en concert. A part les voix d’Emmanuelle Parrenin, qui joue aussi de la harpe et de la vielle à roue sur l’album. Il y a d’ailleurs beaucoup de correspondances entre les sons acoustiques et électroniques, notamment sur cet album. La vielle à roue avait au fond le même usage que les instruments électroniques aujourd’hui. Au Moyen-Âge, le but était de danser autour du feu, complètement bourré, avec le son à fond la caisse. Se lâcher, danser, rencontrer les filles, tout ça n’a pas beaucoup changé.

Donc, je vais jouer seul sur scène accompagné parfois d’Emmanuelle. C’est une musique très simple, avec très peu d’éléments. Et qui peut plaire à des publics très différents, d’origine jazz ou plus techno, ou d’âges très divers.

Les instruments que tu utilises sont désormais assez anciens, ils évoquent sans doute une forme d’innocence de la musique, face aux technologies plus modernes.

Peut-être mais je crois aussi que ce sont plus simplement des instruments, il n’y a pas une seule et même façon d’en jouer. D’autres, en France, comme Arnaud Rebotini ou Romain Turzi, jouent des mêmes instruments, mais chacun à sa façon de s’en servir, nos musiques sont très différentes. Ces instruments sont tombés en désuétude, à la fin des années 80 et début 90, pour des raisons un peu bêtes, juste techniques, car ils sont un peu limités au niveau de la maîtrise et qu’on ne peut pas mémoriser les sons. Mais en même temps, ils sont très riches au niveau des sensations, des sonorités, des possibilités, et on ne s’en lasse pas. D’ailleurs les synthés modernes reproduisent ces anciens sons, ces sons Moog, le piano Rhodes, la 808, il y a peu d’instruments nouveaux avec des sons nouveaux, c’est très rare. Après, on peut faire de la bonne musique avec un instrument pourri, un orgue Bontempi à piles, il y a aura toujours des chef d’œuvres réalisé avec trois fois rien. Les instruments, ce n’est pas une fin en soi.

L’expérience, l’apport de Zombie Zombie ?

C’est avec ce duo, que les gens ont pris conscience de ma personnalité. Auparavant, j’étais dans des groupes moins connus. Et puis Neman était déjà connu pour sa participation à Herman Düne. Les gens se sont dits, tiens voilà quelqu’un avec un univers différent, et notamment au niveau international. On n’arrête pas de jouer dans le monde entier. Là, on part en Amérique du Sud pour quelques jours, on a sept dates au Brésil. C’est eux qui nous ont contacté ! A Moscou, en Roumanie, en Tchéquie, en Chine. Je n’aurais pas imaginé que ma musique puisse toucher les gens au-delà des frontières.

Parfois, plus c’est personnel, plus c’est universel

Exactement. Ce que je dirais à des jeunes musiciens, c’est : « ne reproduisez pas ce qui a déjà été fait, vous courrez à la catastrophe, se raccrocher à une mode, c’est souvent déjà trop tard ». Les maisons de disques ont déjà préparé la relève, les goûts des gens changent hyper rapidement. Il faut prendre son temps pour développer son propre langage.

Zombie Zombie a été l’un des premiers groupes à lancer cette mode, cette référence amusée aux films de zombie des années 70 et 80, ces fameuses B.O. électronique et old-school.

Effectivement, quand on a commencé, il y a deux ans environ, personne ne s’intéressait à ça. Nous, on trouvait ça juste cool et puis hop. En fait, dans l’univers de la contre-culture ou de la culture pop, on se rencontre que derrière ces artistes parfois sous-estimés, il existe des auteurs, des vrais.

C’est étrange de se retrouver ainsi à l’origine d’une mode.

C’est marrant de voir que notre musique a stimulé l’imaginaire de plein d’autres musiciens, du coup les Goblins se sont reformés. Bon, ça a toujours été un groupe kitsch et ça le restera. Si les gens s’attendent à… C’est des mecs qui jouent avec des bandanas dans les cheveux, des solos de guitares avec le pied sur le retour, il y a toujours eu cette dimension, on va dire « italienne ». Ceux qui trouvent ça un peu daté et mou du genou, hé bien il faut leur dire que ça a toujours été comme ça. Je n’ai pas de surprises. Mais quand j’entends leur B.O de « Suspiria », j’ai quand même des frissons.

Des frissons de l’angoisse, pour reprendre un titre d’un film de Dario Argento.

Des frissons d’émotion.

Retrouvez Jean-Yves Leloup, l’auteur des livres “Global Techno” et “Digital Magma”, pour quatre conférences en Bretagne et en Normandie.

Dans le cadre du festival Electroni[K] :

DIGITAL MAGMA : Du DJ à l’iPod, 20 ans de révolutions musicales

Dans cette conférence richement illustrée en sons et en images, Jean-Yves Leloup évoque comment, en l’espace d’une vingtaine d’année, les innovations tant artistiques que technologiques, ont transformé notre accès à la culture et notre manière de vivre et de « consommer » la musique. De l’émergence de la culture DJ à la fin des années 80, jusqu’à la révolution actuelle du numérique, les artistes tout comme les auditeurs et les usagers des technologies ont en effet inventé de nouveaux modes d’écoute et de consommation de la musique : créations partagées et éphémères, sampling généralisé, pratique du mix et du remix, échanges de fichiers, création de playlist, nomadisme sonore…

De nouveaux usages et de nouvelles pratiques qui sont aujourd’hui au cœur des débats actuels sur le piratage et la crise du disque.

Adresse et détails : http://www.electroni-k.org/programmation-2009.html

Le mercredi 7 octobre au Pixie Café de Lannion à 20h30 ; le jeudi 8 octobre au Lycée agricole de Kernilien de Guingamp à 13h (ouvert à tous) et le vendredi 9 octobre chez Le Disquaire à  Saint Brieuc, à 18h30.

A l’invitation du 106, scène de musiques actuelles de Rouen :

GLOBAL TECHNO STORY :  Une histoire de la musique électronique (1969-2009)

à la Médiathèque Elsa Triolet de Saint-Etienne du Rouvray, le 10 octobre à 15h

Dans cette conférence  illustrée en son et en images, Jean-Yves Leloup évoquera les grandes étapes de l’histoire de la musique électronique, de Pierre Henry à Daft Punk, de la disco d’hier à la minimale techno actuelle, de l’Allemagne des seventies à l’Afrique d’aujourd’hui. Il abordera par ailleurs l’histoire, l’émergence et l’évolution des clubs, des raves et des événements qui ont façonné au cours des dernières décennies, cette culture désormais globale.

Détails : http://www.le106.com/

Biographie :

Auteur, DJ et artiste sonore, Jean-Yves Leloup a suivi toute l’évolution de la musique électronique depuis son émergence en France. Témoin privilégié de la scène techno, il s’intéresse parallèlement à toutes les questions relatives au numérique et aux arts plastiques.

Journaliste pour le magazineTsugi, ancien rédacteur en chef du mensuel Coda et de la DJ Radio FG au cours des années 90, il a publié de nombreux articles dans la presse musicale et culturelle, d’Actuel au Magazine Littéraire en passant par Le Journal des Arts, Jazzman, Nova Mag, Trax ou Beaux-Arts.

Il est l’auteur avec Jean-Philipe Renoult et Pierre-Emmanuel Rastoin de « Global Tekno, Voyage Initiatique au cœur de la musique électronique », publié en 99 aux éditions du Camion Blanc, 16^e Grand Prix de Littérature Musicale de l’Académie Charles Cros, récemment réédité et réactualisé sous le titre de « Global Techno, l’authentique histoire de la musique électronique », aux Editions Scali.

Il est enfin l’auteur chez Scali de « Digital Magma : de l’utopie des raves-parties à la génération iPod », un essai à la fois social et esthétique qui analyse la manière dont les technologies et le numérique ont transformé le champs de la musique, du côté de la création comme de l’écoute.

De Kutiman à Eboman, une courte histoire du sampling visuel

Sur la Toile, il suffit parfois d’une idée simple pour susciter le buzz et remporter les suffrages. Le web regorge en effet  de milliers de vidéos, parfois ingénieuses, souvent insignifiantes, affichant crânement leurs millions de visionages, régulièrement reprises par les grands médias avant d’être aussitôt oubliées. « The Mother Of All Funk Chords », vidéo musicale assemblée et réalisée par l’israélien Kutiman, a connu ce type d’engouement depuis sa mise en ligne en mars 2009 : plus de 700 000 clics et pas moins de 5 000 commentaires. Ce clip à l’énergie funk et au groove inspiré par le blues n’a pourtant pas grand chose à voir avec le commun des vidéos-gags qui encombrent les sites de partage vidéo.

Il s’agirait plutôt d’une création d’un genre nouveau, composée en son comme en image, à l’aide de dizaines de vidéos amateures postées sur Youtube. Ophir Kutiel, derrière qui se cache Kutiman, a en effet réussi à rassembler, ici un joueur d’harmonica, là un vieux batteur de jazz, un bassiste anonyme, un apprenti pianiste ou encore quelques mesures jouées par un professeur de guitare, afin de composer un groupe virtuel, interprète d’un morceau, lui, bien réel. Cette pièce réalisée avec patience et ingéniosité fait même partie d’un plus vaste projet en ligne, intitulé ThruYou, entièrement agencée de la sorte, et explorant d’autres territoires musicaux, plus électro avec « Babylon Band » ou orienté dub-reggae avec « This Is What It Became ». En somme, ce musicien de Tel Aviv est parvenu à renouveler avec adresse le concept du sampling, adapté à l’ère des réseaux sociaux.

Alors bien sûr, il n’est pas le premier à s’amuser avec ce type de sampling visuel. Beaucoup de vidéo-artistes, notamment fin 80-début 90, s’y sont essayés, si l’on pense par exemple au français Jérôme Lefdup, à l’Allemand Volker Schreiner et dans le domaine de l’électro, au VJ Eboman, à Coldcut ou à Hexstatic, ou plus récemment au collectif Addictive TV. Mais sa manière de composer un orchestre, à partir de matériau amateur, possède tout de même un petit goût d’inédit qui parvient à renouveler le genre.

Voici donc la vidéo qui ouvre le projet ThruYou, “The Mother Of All Funk Chord”

Plus intéressant du point de vue sonore, “Babylon Band”, aux accents drum & bass, toujours signé Kutiman.

Dans le même esprit, le jeune VJ Uklittleguy, s’essaye à ce type d’exercice, inspiré cette fois-ci par l’esthétique originelle du sampling hip hop.

Un type de montage qui n’est pas sans rappeler le classique de Coldcut et Hexstatic, “Timber”, un peu surestimé mais toujours amusant à voir, datant de la fin des années 90, et destiné à l’origine à attirer l’attention sur le phénomène de la déforestation en Amazonie.

L’un des grands défricheurs de ce type de sampling visuel (au sens où le son comme l’image constituent le même fragment), reste Eboman, VJ et musicien hollandais, apparu au cours des années 90. Son live au festival Global Tekno de la Grande Halle de la Villette en 98 reste à ce titre un grand moment, sonore comme visuel. Bon, il faut avouer que ce n’est pas toujours très finaud, mais très efficace.

Voici par exemple une pub récente qu’il a réalisé, typique de son style de montage  :

Dans cette tendance au mash-up vidéographique, voici un bel exemple d’exercice rythmique signé UK Little Guy, et que nous avons oublié de citer dans le post précédent.

Depuis ses débuts post-punks jusqu’à son récent Vertical Ascent, Mortiz Von Oswald, figure historique mais discrète de la scène techno berlinoise s’est illustré sous de multiples incarnations.

Retrouvez Mortiz Von Oswald, pour une de ses très rares interviews, au sommaire du numéro d’été de Wire.

1983 Palais Schaumburg

Formé aux percussions classiques, Von Oswald rejoint cette formation new wave allemande qui explore alors, comme de nombreux groupes post-punks, de nouveaux territoires funk. Il y remplace le percussionniste F.M Einheit parti fonder la plus célèbre formation, Einstürzende Neubaten. Le groupe accueille par ailleurs quelques futurs grands noms de la musique contemporaine ou électronique, parmi lesquels Holger Hiller, son fondateur et chanteur entre 80 et 81, et Thomas Fehlmann, co-fondateur du groupe, qui participera à toute l’émergence de la scène techno allemande une décennie plus tard.

1989-91 En duo avec Ralf Hertwig

Aux côtés d’Hertwig, batteur de Palais Schaumburg, Oswald signe sous les pseudos de Marathon, His Name Is Dime ou Time Unlimited les premières ébauches d’une techno mélodique racée, sur des labels comme EG, Teutonic Beats ou ZTT.

1992-93 2MB &3MB

Aux côtés de Thomas Fehlmann, ancien fondateur de Palais Schaumburg, Oswald accueille à Berlin certaines des stars de la scène de Detroit. Ils collaborent avec Juan Atkins, signant auprès du pionnier techno, des classiques tels que « Jazz Is The Teacher » et « Die Kosmischen Kuriere », mais aussi aux côtés du plus méconnu, Eddie Flashin’ Fowlkes, l’album oublié « Technosoul ».

1993-98 En duo avec Mark Ernestus

Avec Basic Channel, à la fois duo et label, Oswald et Ernestus expérimentent une techno obsessionnelle et minimale avant l’heure. Avec le projet Maurizio, ils réinventent le dub à l’ère de la techno. Avec Rhythm & Sound, il la métissent avec le reggae. Enfin, grâce à la série des Round One to Five, ils parviennent à fusionner la deep-house de New York et la Jamaïque. Rien que des chef d’œuvres, et sa plus grande période créative.

2001 Wackies

Depuis 2001, cette subdivision du label Basic Channel fondé par Oswald se consacre à la réédition des classiques oubliés et autrefois introuvables du label et studio reggae new-yorkais, Wackie’s (Junior Delahaye, Sugar Minott…).

2009, Moritz Von Oswald Trio

Fin des années 2000. Oswald se réinvente. Après le très beau « ReComposed » pour Detusche Grammophon, où il s’attaquait, aux côté de Carl Craig, à un remontage ambient et atmosphérique du « Boléro » de Ravel ainsi qu’à Moussorgski, il rassemble Vladislav Delay aux percussions et Max Loderbauer aux synthés, pour fonder le Moritz Von Oswald Trio. Le groupe expérimente, entre vaudou et transe, une forme étrange de groove vintage et organique, influencé par le dub et la techno et que l’on retrouve sur leur premier album, Vertical Ascent (Honest Jon/La Baleine).

Années 90 et 2000, Mastering master

Fondateur du studio berlinois, Dubplates & Mastering, Von Oswald est par ailleurs un remarquable technicien, capable de donner, grâce à l’opération du mastering, puissance, texture et profondeur aux disques qui passent entre ses main. Parmi ses nombreuses réussites techniques, on peut citer le magnifique « Agaï » de TV Victor chez Tresor, ou le plus récent album des Français de Lena & The Floating Roots Orchestra.

A la demande générale, le lien de ce DJ mix a été réactivé…

Minimal techno, electro (and a spice of electronica) DJ mix featurings new tracks by Ellen Allien, Daso, Stephan Bodzin, Plasmik, Spektre or H.O.S.H., and classics from Plastikman, Dopplereffekt, Kraftwerk and D.A.F.

(Picture above by Pierre-Emmanuel Rastoin)

Listen and/or download here : Digital Dry (Jean-Yves Leloup DJ Mix)

(detailed tracklisting below)

Tracklisting :

0′ : Nicolas Losson “Oiseaux de passage” (unreleased)

3′ : Swayzak “Claktronic” (Studio K7!)

8′20 : Ellen Allien “Ondu” (Bpitch Control)

10′10 : Soulrack “Modul Age (Sleeparchive Remix)” (Cray1 Labworks)

11′13 : Stephan Bodzin “Bremen-Ost” (Herzblut)

17′31 : Mathias Kaden “Train” (Vakant)

19′00 : Kraftwerk “Nummern” (Kling Klang/Capitol)

21′00 : George Delkos “Deftoner” (Dezign Music)

23′30 : Doppereffekt “Speak & Spell” (Dataphysix)

27′00 : Spektre “Flux” (Suruba)

28′13 : Para One “Liege” (Institubes)

32′10 : Julien H. Mulder “Tweeking Me” (UVdog)

34′00 : Sebrok “Almost Famous” (Paso Music)

38′40 : Plastikman “Mind In Rewind” (NovaMute)

41′12 : Personal Computer Music (Untitled) (Unreleased)

43′15 : Taylor Deupree & Richard Chartier “Specification Sixteen” (L_ne)

47′30 : Coh plays Cosey “Lying” (Raster Noton)

50′27 : Booka Shade “Duke” (Get Physical)

52′20 : Plasmik “Pitch It (Claude VonStroke Remix)” (Connaisseur Recordings)

54′55 : Sami Koivikko “Sapphire” (Spectral Sound)

63′10 : Marcin Czubala “Consigliere” (Mobilee Records)

68′15 ; H.O.S.H. & Stimming “Radar” (Diynamic)

73′05 : D.A.F. “Der rauber und der prinz” (Mute)

77′10 : Solomun & Stimming “Ghostdog” (Diynamic)

82′30 : Daso “Pars Tensa” (Connaisseur Recordings)

88′42 : KLF “Chill-Out Megamix” (KLF Communications)

Electronica + dub techno + minimal beats (112′) by Jean-Yves Leloup @ Rex Club

Recorded live at the Paris Rex Club on the 11th of July 2009, here is my two hours set, opening the party which gathered the Moritz Von Oswald Trio (feat. Vladislav Delay & Max Loderbauer) and Jeff Mills. Check the tracklisting below featuring tracks by Monolake, Swayzak, Philippe Cam, Pantytec, Frank Bretschneider, Trentemöller and, of course, Rhythm & Sound.

Enregistré live au Rex Club le 11 juillet dernier, voici un set d’une heure et cinquante minutes, qui a fait l’ouverture de la soirée rassemblant le Moritz Von Oswald Trio (avec Vladislav Delay et Max Loderbauer) et Jeff Mills, dans le célèbre club parisien. Pour ceux qui connaissent bien ce blog, vous y entendrez tous nos classiques préférés de ces deux dernières années, signés entre autres, Monolake, Swayzak, Philippe Cam, Pantytec, Frank Bretschneider, Trentemöller et, bien sûr, Rhythm & Sound.

Download here/ici

Tracklisting below/Tracklisting ci-dessous :

0’00
Carl Michael Von Hausswolf « With The Flow Against The Current » (Sub Rosa)
2’40
Autechre « Palalel Suns » (Warp)
6’00
Atom TM « Liedgut track 2 » (Raster-Noton)
8’20
Monolake « Plumbicon (Rebreather Mix) » (Imbalance)
15’40
Rumpistol « Untitled » (Rump Recordings)
20’30
Trentemöller « Chameleon » (Pokerflat)
26’35
Rhythm & Sound with Sugar Minott « Let Jah Love Come » (Sweet Substance Remix) (Burial Mix)
30’45
Swayzak « Smile And Receive » (Studio !K7)
34’20
Monolake « Plumbicon (Sleeparchive Interpretation) » (Imbalance)
38’56
Philippe Cam « Bass Star » (Karat)
43’20
Atom TM « Liedgut track 9 » (Raster-Noton)
43’55
Henrik Schwarz « Walk Music » (Mood Music)
47’30
H.O.S. & Stimming « Radar » (Diynamic)
52’10
Rhythm & Sound with Ras Donovan & Ras Perez « Let We Go (Villalobos Remix) » (Burial Mix)
56’00
Barem « So Serial » (M_nus)
61’00
Pantytec « Elastobabe » (Perlon)
62’57
Frank Bretschneider « A Soft Throbbing Of Time » (Raster-Noton)
67’50
Philippe Cam « LFO Drive » (Traum)
70’40
Spektre « Flux » (Suruba)
72’42
Hieroglyphic Being « Conversations In An Analog Dialect » (Klang Electronic)
74’02
Atom Tm « Liedbut Track 9 » (Raster-Noton)
76’08
Soulrack « Modul Age (Sleeparchive Remix) » (Cray1 Labworks)
76’26
MyMy « Serpentine (Album Version) » (Playhouse)
79’27
Eelke Kleijn « Luigi’s Magic Mushroom feat Nick Hogendoorn » (GU Music)
84’00
Riley Reinhold « Lights In My Eyes (Patrice Baumel Remix) » (Traum)
90’40
Swayzak « Claktronic » (Studio !K7)
95’40
Dani Casarano & Felipe Valenzuela « Tia Anita (Felipe Venegas Remix) » (Andes Music)
100’10
Burial « Raver » (Hyperdub)
106’05
Liberto « I’m Sorry » (Klik Records)
109’50
Autechre « Palalel Sunds » (Warp) + Carl Michael Von Hauswolf « With The Flow Against The Current » (Sub Rosa)
112’00
End

Rendez-vous le samedi 11 Juillet pour cette soirée dont j’aurais l’honneur d’assurer le warm-up.

MORITZ VON OSWALD TRIO & JEFF MILLS

0:00 20€/ prévente 15€
LIVE  MORITZ VON  OSWALD TRIO (Honest Jon’s Records– De)
DJ’s JEFF MILLS (Axis – Us)  -

Warm-up : JEAN-YVES LELOUP (fr)

Moritz Von Oswald Trio, est le nouveau projet live formé par 3 artistes musiciens d’exceptions : MORITZ VON OSWALD, MAX  LODERBAUER et  VLADISLAV DELAY.
Le communiqué du Rex Club : “Ils sont tous les 3 pionniers, dans les années 90, de cette scène électronique allemande. Ils ont influencés la majorité des artistes actuels et restent les références à ce jour. Co-fondateur de Basic Channel et Rhythm and Sound, Moritz Von Oswald est le producteur par excellence. Il manie les sonorités comme nul ne sait faire et est à ce jour le maître incontesté de la minimale allemande. Pour son nouveau projet live « MORITZ VON OSWALD TRIO » il collabore au côté de  Max Loderbauer (Sun Electric, NSI) et Vladislav Delay (Luomo), grand batteur de jazz qui à notamment collaboré avec AGF. La sortie de l’album est prévue pour fin septembre. En attendant, l’occasion vous est offerte de venir écouter ce live qui s’annonce prodigieux. Il était tout naturel que JEFF MILLS, un autre pionnier de la musique électronique, accompagne ces artistes sur la soirée. Ce magicien des platines saura nous régaler une fois de plus par sa technique et sa sélection de grand maître”.

Electronica + ambient + cinematic & experimental music mix and soundpiece by RadioMentale (2008/60′)

Download

Tracklisting :
Fragments and edits of original tracks & works by Coh, Ridley Scott, Stefan Goldmann, Monolake, Frank Bretschneider, Alexander Kaline, AGF, Toshiya Tsunoda, Ryoji Ikeda, The Deep Eyes, Gogooo, Pole, Ellen Allien, The Agent (Eric Pajot)…
Voices :
Michel Houellebecq, Yves Klein, Harrison Ford, Cosey Fanny Tutti and Laurie Anderson.

A propos de “Earth Plot Geometry” ou “Géométrie des parcelles de la terre” :
Depuis 1992, RadioMentale créé des univers immersifs sous la forme de pièces sonores, de mixes ou d’émissions radiophoniques, dans lequel l’auditeur peut se projeter et donner libre cours à son imaginaire. “Géométrie des parcelles de la terre”, composée d’une multitude de couches, de fragments d’œuvres musicales, de voix et de dialogues, compose un vaste paysage sonore volontiers hypnotique, mental et introspectif, jouant sur un va-et-vient entre un univers numérique abstrait et des field recordings (sons naturels et urbains) liés au concret et au quotidien. Cette pièce a été composée à l’origine pour l’exposition parisienne “Reality”, consacrée aux mondes virtuels.

A télécharger sur notre blog, un documentaire (2009, 65mn), ou plutôt un essai radiophonique (attention, ce n’est pas un DJ Mix), réalisé par Jean-Yves Leloup et Gilles Mardirossian pour l’Atelier de Création Radiophonique de France Culture, et consacré à la culture de la mixtape et de la playlist.

Téléchargez : ici

Du Walkman à l’iPod
Les nouveaux modes numériques d’écoute et de consommation de la musique ont engendré de nouveaux comportements chez les auditeurs. On échange la musique, légale ou piratée, on accumule les titres, on sature son disque dur de fichiers MP3, on sonorise ses voyages et ses trajets et l’on créé des playlists, des listes de lecture dédiées aux moment privilégiés de sa vie quotidienne et destinées à ses amis ou ses amours. Pour autant, cette révolution remonte au années 80 où l’apparition de la K7, mais aussi de dispositifs mobiles (baladeurs, Boombox et auto-radio) avaient d’ores et déjà transformé notre rapport à la musique et à son écoute.

Du walkman à l’iPod, en passant par les révolutions successives de la K7 audio et du MP3, auditeurs, penseurs, philosophes, professionnels et musiciens évoquent cette relation intime et immersive avec la musique, depuis leur plus tendre enfance jusqu’au seuil de leur mort.

Cette émission composée en forme de déambulation à travers les voix et les époques, la pop des Beach Boys comme l’électronique la plus avant-gardiste, est réalisée par Jean-Yves Leloup, journaliste, DJ et artiste sonore, auteur du récent essai : « Digital Magma : de l’utopie des raves parties à la génération iPod » (Scali 2007, Sternberg Press 2009).

La page de l’ACR de France culture : cliquez ici

Entretiens avec David Toop (auteur et musicien), Laurent Massaloux (designer), Joachim Montessuis (artiste et musicien), Robert Hampson (musicien), Guillaume Huret (designer sonore), Benoît Repoux et Nicolas Nieto (journalistes), Jean-François Guillon (plasticien), Jean-Philippe Martzel (publicitaire), Jean-Christoph Onno (musicien) et Luna Cohen-Solal (lycéenne et music lover)…

Musiques de : Grizzly Bear, AtomTM, Thomas Brinkmann, The Beach Boys, Tony Joe White, David Toop, Joakim, Henrik Schwarz…

Archives : Jacques Attali, Brian Eno, Roland Barthes, Jean-Luc Godard, John Rubinstein (fils d’Arthur Rubinstein). Ainsi que : Henri Rollan, poème lu, Conte de Fée de Robert Desnos.

Films : « Hi-Fidelity » de Stephen Frears, « Elizabeth Town » de Cameron Crowe.