Ils piratent les ondes et collectent les sons des villes, des océans et des déserts, composant une musique aux frontières de l’électronica, de l’ambient et du sound art. Cet été, nous avons rejoint le Collectif Soundwalk à bord d’une goélette voguant sur la Mer Noire. Journal de bord, rédigé entre Istanbul et le festival techno de KaZantip.

Parfois routards, nomades ou pêcheurs au grand large, les artistes du collectif Soundwalk parcourent inlassablement la surface du globe. Depuis le début des années 2000, ce groupe new-yorkais fondé par Stephan Crasneanscki, est connu pour ses parcours urbains, ses documentaires et ses fictions sonores dédiés à New York, Paris ou Shangaï, que les auditeurs sont invités à écouter sur un Smartphone ou un baladeur MP3 (on en parle ici). Mais, loin des métropoles, le collectif explore aussi les grands espaces de notre petite planète. Armés de micros et de scanners balayant les ondes, Stephan et ses acolytes Kamran Sadeghi, Simone Merli, Dug Winningham et Jake Harper collectent des sons aux quatre coins du monde. Du détroit de Gibraltar au terrible désert de Rub’ Al Khali, en passant par les routes de l’Europe Centrale, les rives du Gange ou de la Méditerranée. Au fil de ces voyages, ils composent de longues bandes-son méditatives, qu’ils restituent sous forme d’installations et de performances, dans lequel se croisent sons urbains ou naturels, traitements électroniques, chants populaires, personnages rencontrés sur la route ou voix et dialogues captés au fil des ondes.

Écoutez un premier extrait de la pièce Medea, réalisée au fil de ce voyage sur la Mer Noire. Et un second extrait ici.

Leur nouveau voyage sur la Mer Noire fait suite à un autre périple et une autre bande-son, Le syndrome d’Ulysse, mené sur les traces du célèbre navigateur grec au fil de la Méditerranée. « Au cours de ce voyage, raconte Stephan Crasneanscki, nous avions collecté des milliers d’heures de son, de discussions, de musiques, de chants coraniques ou catholiques, d’histoires de clandestins, de trafiquants de cigarettes ou de conversations amoureuses entre marins et femmes restées à terre, afin de créer une fresque sonore contemporaine, un état des lieux du son des côtes, une sorte d’anthropologie poétique, composée de milliers de voix et de langues, de l’Afrique du Nord à la Grèce, en passant par l’Italie et la France ». À l’évidence, ce thème du voyage ou plutôt de la perte et de la dérive obsède Stephan, un artiste nomade flanqué de trois passeports, toujours en partance, débordant de projets et d’idées de voyage, qui ne sent chez lui nulle part, ni à Odessa (ou il est né), ni à Paris (où il a grandi) et pas même à New York (ou il vit quelques mois de l’année). Au fond, l’idée du syndrome d’Ulysse, dont le terme désigne un stress chronique que les migrants peuvent rencontrer lorsqu’il s’installent dans une nouvelle résidence, s’adapte plutôt bien à ce type de personnage, qui semble condamné à errer sur la route ou, ici, sur les flots.

7-8 juillet : Dans le port d’Istanbul
Il y a encore quelques jours, l’avenir du Black Sea Project était incertain. Malgré les 40 000 euros de budget rassemblés par l’équipe, les bateaux à louer sont encore trop chers et surtout, pas un équipage ne souhaite s’aventurer sur la Mer Noire, où ne circulent que quelques cargos et pas un seul navire de plaisance. Au dernier moment, c’est une aristocrate hollandaise farfelue qui prête pour une petite somme, sa goélette de 26 mètres, La Vicomtesse, son capitaine, son cuisinier et ses deux hommes d’équipage. C’est donc parti pour quatre semaines d’odyssée, menée au fil des côtes de Turquie, de Géorgie, de Russie, d’Ukraine et de Crimée.
À bord se sont embarqués quatre membres du collectif Soundwalk : Kamran, Simone, Jake et Stephan. À leurs côtés, Romain, trentenaire et déjà vieux loup de mer, chargé de la navigation. Vincent Moon, un génial cinéaste français, lui aussi globe-trotter, qui tournera et montera son nouveau film à bord. Et Arthur Larrue qui racontera au jour le jour le périple de ce qu’il appelle déjà notre « petite république de pêcheurs de bruits ». Ce jeune écrivain français, rencontré à Saint Petersbourg, possède un style d’une belle humanité, et décrit avec poésie le laboratoire sonore embarqué à bord : « Nous avons quatre scanners à voyants verts, des microphones à poils de chats, des fils noirs qui courent et frisent sur le sol, avec cela trois antennes qui ressemblent à des araignées. Elles sont accrochées en haut du grand mât. Leurs toiles couvrent ensemble un rayon de quarante miles. Nous creusons grâce à elles  des sillons dans le silence, nous récoltons des dialogues de marins, des couinements de sonars, des plaintes de cordages, des prières de muezzins. Tous les sons qui composent la Mer Noire lorsqu’on ferme les yeux ».

9 Juillet : Le Bosphore
Le départ d’Istanbul, ville de rêve et de chimère, et la traversée du Bosphore émerveille toute l’équipe. En débouchant sur la Mer Noire, la frêle goélette croise des centaines de tankers aux dimensions gigantesques qui, secouant les flots et chargés de gaz, partent rejoindre les ports d’ici et d’ailleurs.

10-14 Juillet : Premiers jours sur la Mer Noire
Les côtes turques se dévoilent. Des vallées abruptes, des rives embrumées, une eau sombre, une mer vide. Sur les ondes radios comme depuis les minarets que l’on perçoit au lointain, les chants coraniques accompagnent les premiers jours de navigation sur ce « grand désert qui tangue », selon l’expression d’Arthur.  L’écrivain raconte : « Nous ne voyons personne et pourtant nous captons les messages anodins, sérieux, furtifs de milliers d’hommes qui se croisent ou s’éloignent. (…) Ces ondes ont un corps, elles se dévoilent en courbes colorées sur nos écrans d’ordinateur. (…) Les ondes hertziennes voyagent grâce à l’éther, sur la mer elles sont plus fortes et plus libres, dans leur élément, et c’est pourquoi nous nous sommes tous improvisés marins. Notre laboratoire sonore ne pouvait être qu’un bateau. La mer est le lieu des sons, sur la terre on est comme sourd et enfermé ».

15 Juillet : Trabzon, Turquie.
Il n’existe aucune marina sur la Mer Noire. Dans le port de Trabzon, la goélette partage son espace avec quelques cargos. « Ici, raconte Stephan, on rencontre des gens qui ne vivent pas leurs voyages d’un point de vue touristique ou romantique, mais de vrais forçats de la mer, qui bossent dur pour vivre, ou survivre ». L’équipe passe ainsi une longue nuit à boire avec des marins descendus depuis Saint Pétersbourg. Au petit matin, alors que La Vicomtesse est déjà loin, l’un deux entame à la guitare l’un de ces airs préférés, sur les ondes hertziennes, en guise d’adieu.

17 Juillet : Un studio face à l’horizon
Avec ses dizaines de laptops et de disques durs externes, le pont du bateau ressemble à un étrange studio mobile. D’un côté, Jake et Simone scannent les ondes parcourant la surface des flots. De l’autre, Stephan et Kamran travaillent sur la version techno, minimale et dub d’une nouvelle pièce, The Last Beat. Au cours de l’été 2010, le collectif s’est rendu à Ibiza pour y enregistrer pendant toute une nuit les sons du célèbre club le DC 10, à l’aide de microphones contacts. Placé sur une surface ou un instrument, ce type de micro permet de capter des sons qui ne sont habituellement pas perçus par l’oreille humaine. The Last Beat, dans sa version techno ou ambient, nous fait ainsi découvrir ce club sous un nouvel aspect, mêlant rythmiques étoufées, vibrations de basses, cris des danseurs et passages réguliers des avions, la terrasse du DC 10 étant placé face à l’aéroport d’Ibiza.

18-20 Juillet : Batumi, Géorgie.
La Goélette mouille à Batumi, seconde ville de Géorgie. L’équipe reste ici quelques jours, le temps d’enregistrer dans l’arrière-pays quelques vieux chants de marins et de montagnards. Mais surtout, ils s’apprêtent à donner deux concerts hautement improbables. Le premier a lieu dans le cadre du festival de jazz. Soundwalk joue pour la première fois une version techno de The Last Beat devant une cinquantaine de badauds interloqués. Le groupe joue si fort, raconte Arthur, qu’une riveraine en robe de chambre et en chaussons débarque toute affolée pour demander qu’on éteigne ou qu’on change de style.
Plus improbable encore, le collectif est invité à la dernière minute à jouer pour le président Géorgien. Le groupe se retrouve ainsi face à Mikheil Saakachvili, entouré de ses gardes du corps surarmés (la guerre est encore récente) et d’une centaine d’invités triés sur le volet. Soundwalk interprète Le syndrome d’Ulysse, qui ne semble pas émouvoir le moins du monde le président. Régulièrement, son bras droit, plutôt stressé, s’inquiète de la tonalité expérimentale de la musique et exige désespéremment de la part des artistes une musique « more happy ». « Sans doute l’un des concerts le plus surréalistes de toute ma vie » nous confira Stephan en riant, quelques jours plus tard.

22-23 Juillet : Une mer ténébreuse
Loin des côtes, Stephan respire. « Je passe parfois par des sommets d’anxiété nous dit-il. Dans chaque port, on doit affronter les douanes, l’immigration et la police qui débarquent régulièrement sur le bateau. Notre équipement de scanning, donc d’espionnage, est à la frontière de la légalité. Nous l’utilisons à des fins artistiques, mais comment expliquer ça à des sergents russes ou des généraux georgiens ?  Chaque fois que l’on approche des côtes, c’est la panique, on démonte les scanners et les antennes et on invente des scénarios pour expliquer la présence d’un tel matos ».
Pendant ces deux jours de pleine mer, qui mènent le bateau de Batumi jusqu’à Yalta, il s’agit aussi d’éviter l’Abkhazie et ses pirates, tout comme la Russie et sa police. Impossible par contre d’éviter la tempête qui vide les tripes de toute l’équipe pendant de longues heures. La Mer Noire est en effet souvent victime d’une météo capricieuse, liée à son étendue et à la présence de massifs montagneux. Rien d’étonnant à ce qu’elle possède une si mauvaise réputation chez les marins. De plus, selon Stephan, la Mer Noire est marquée la mythe de Médée, de Jason et des Argonautes. « Une femme, qui a trahi son père, sa famille et sa tribu pour suivre Jason en Grèce qui, lui-même finira par la trahir avant qu’elle ne tue leurs propres enfants. Une histoire très noire, meurtrière, sanglante, qui s’adapte finalement bien à cette mer qui est elle aussi noire, fière et inattendue ».

3 Août : Entre Odessa et la Crimée
Selon Stephan, La Vicomtesse ressemble parfois à un bateau de pêcheurs japonais. « Nuit et jour, on pêche le son, que l’on capture dans nos scanners en guise de filet. Une fois enregistrés, ces voix, ces chœurs religieux, ces chants de marins, ces musiques captées sur les ondes FM ou AM, ce magma sonore de fréquences et de brouillages, sont découpés, labellés puis montés sur l’arrière-pont sur lequel fonctionnent parfois une dizaine de laptops ».
Aujourd’hui, alors que Vincent Moon travaille inlassablement au montage de son film, le trio répète l’un de ses lives, face à l’horizon. On en profite pour écouter au casque un court extrait du Black Sea Project, désormais intitulé Medea, dont la durée finale devrait atteindre les 24 heures. On se laisse bercer et emporter par leurs collages de voix russes chuchotées, de conversations radios, au sein desquels surnagent le bruits des vagues et de lointaines mélopées, à la fois tristes et slaves.
Une fois loin des côtes, Stephan demande au capitaine de couper le moteur, afin de permettre à l’équipe d’enregistrer au plus près le son des vagues et des clapotis, les grincements de la coque de bois, le vent à travers les voiles. Un beau moment d’attention et d’écoute, quasi spirituel, qui en dit beaucoup sur la passion qu’entretiennent ces artistes avec notre monde sonore et sensible.

3 août au soir : Sound Invaders
Vincent profite de la nuit, dans une crique de Crimée, au large d’une petite station balnéaire et popu, pour nous montrer un pré-montage de son futur film. Au cours des premières minutes, on est subjugué par les lents mouvements de la caméra, le ressac hypnotique des vagues, au milieu desquelles surgissent un couple de dauphins. S’ensuivent des séquences énigmatiques et sans paroles, filmées suivant le mouvement du tangage, dans lesquelles se découpent des personnages mystérieux, des ombres, des silhouettes équipées de casques et de micros. Des sortes d’envahisseurs, selon Vincent, pénétrant un territoire inconnu et explorant des côtes étrangères.

4 août : Terre, Terre !
Des kite-sufeurs, des véliplanchistes, quelques parachutes ascensionnels et surtout trois dauphins filant à grande vitesse, annoncent notre arrivée sur le site de KaZantip, terme de notre voyage. Ce festival techno, installé désormais sur une vaste plage de la Crimée, n’a pas encore tout à fait débuté. « Demain, nous dit l’un des programmateurs montés à bord, les gens seront fous. It will be hell ! ».
L’enfer ressemble plutôt à la capitainerie du port d’Eupatoria. Avant que l’on regagne définitivement la terre ferme, les autorités soutirent à l’équipe de Soundwalk et à la propriétaire du bateau plus de 1200 euros de pots-de-vin.

5 août : Au bout du monde
Popovka ressemble à une ville du bout du monde, une ville du far-west, située à l’extrémité de la presqu’île de Crimée. Quelques pavillons de parpaings ont récemment poussé ici, autour de ruelles de terre. Les plus vieux pavillons ont été transformés en guest-house, destinés à accueillir les jeunes russes qui convergent chaque été pour s’éclater à KaZantip, sorte d’immense fête foraine techno déversant des millions de BPM non stop, pendant près de trois semaines.

Après le silence de la mer, ou du moins le son hypnotique des vagues, le choc est rude. On plonge dans les rythmes  tambourinés d’une techno des plus ordinaires, ou d’une house plutôt bas de gamme, et dans une ambiance festive un peu frelatée. Il faut dire que les pays de l’est, et en particulier les pays de l’ex-empire soviétique, ont adopté depuis quelques années déjà la techno et ses tendances les plus mercantiles. Partout, de l’euro-dance speedée à 160 BPM s’échappe des autoradios, des boombox et des bistrots les plus reculés. Une musique cheap et synthétique, heureuse et enthousiaste, célébrant la vitesse, la jeunesse et la modernité, symbolisant sans doute pour de nombreux russes et ukrainiens, l’accession à de nouvelles richesses et à la modernité occidentale.
Parmi les centaines de DJ tâcherons chargés d’animer « the ultimate party land » (c’est l’un des slogans de KaZantip), les programmateurs ont tout de même fait appel à une poignée d’artistes plus ambitieux. On annonce ici Ivan Smagghe, Cassy, Ricardo Villalobos et donc Soundwalk, invité à présenter la version minimale et techno de The Last Beat, lors de l’ouverture officielle du festival, et pendant les quatres jours suivant.

6 août : Entre Giger et Bora Bora
Si l’ambiance de KaZantip, son service de sécu aux couleurs d’une milice privée, ses hordes de russes bourrés, son côté pompe à fric et sa fausse image de festival libertaire, peuvent paraître un rien déprimant, son décor est impressionnant. Ici, une quinzaine de bars et une dizaine de dancefloors composent une sorte de village-vacances dont l’architecture aurait été confié au Giger d’Alien, aux motards de Mad Max et aux G.O. d’un Club Med sous acide. Près du rivage, une gigantesque scène domine l’ensemble des batiments de béton, de ferraille et de bois. Équipée d’une piscine, de salons et d’appartement privés, elle est entièrement réservée à l’usage d’un oligarque russe qui, chaque été, vient passer cinq jours, entourés de ses amis, ses DJ et ses putes qui, paraît-il, ont ordre de ne s’adresser qu’à son auguste personne.
Au milieu de ce décor évoluent des gamins déguisés en robot, des jeunes filles aux jambes interminables et à l’érotisme éffronté, quelques créatures façon japanime et des jeunes russes titubant sous l’effet de la vodka, de la bière et d’un redoutable mousseux qu’ils sirotent dès le matin. KaZantip constitue ainsi le grand défouloir estival pour de nombreux jeunes moscovites, descendus vers l’Ukraine afin de dépenser les quelques roubles qu’ils ont réussi à mettre de côté. Une jeune fille, éveillée depuis 36 heures, nous l’affirme lorsqu’elle nous accueille sur la plage avec un large sourire : « dormir, c’est mauvais pour la santé ».

7 août : On the road again
Après quatre semaines de voyage et parfois de solitude maritime, l’équipe de Soundwalk à l’air d’apprécier cette atmosphère de fête foraine, adolescente et déjantée, qui leur permet d’expurger les longues heures de travail qu’ils ont consacré à leurs ordinateurs. Et puis, autant profiter de la fête, car dans quelques jours, chacun repartira de son côté. Vincent, cinéaste désormais nomade, se prépare à un nouveau trip vers Istanbul, la Colombie et l’Indonésie. Jake, Stephan et Arthur s’apprêtent à terminer leur voyage, cette fois-ci sur la terre ferme, sur les routes de Bulgarie et de Roumanie. Et puis dans deux semaines, le collectif Soundwalk sera à nouveau réuni pour quelques jours de concerts, loin de la Mer Noire, cette fois-ci à Singapour.

Medea, une publication rassemblant textes, images et musique, sera publié début 2012 dans la collection Zag-Zig aux éditions Dis Voir..

Le journal de bord d’Arthur Larrue est à lire sur : http://www.soundwalk.com/blog/tag/black-sea-diary/

http://soundwalkcollective.com/

“Est-il vraiment nécessaire de présenter Moritz Von Oswald à quiconque se serait un jour laissé prendre dans les filets d’une passion pour la musique électronique ? Techno, Dub, musiques expérimentales, depuis Berlin, le studio est le lieu de prédilection où s’exprime tout son génie. Il y a rempli inlassablement un rôle de véritable médiateur de musiques contemporaines, sous ses différents pseudonymes et projets : Maurizio, Basic Channel, Rhythm and Sound, et à présent Moritz Von Oswald Trio.
Ce Trio, c’est donc une toute nouvelle approche de cette musique, puisqu’en sortant du studio pour venir sur scène, elle devient totalement improvisée au lieu d’être méticuleusement séquencée. Le groupe se présente alors exactement comme un trio de free jazz. Activant tour à tour synthés, orgues, effets et techniques complexes de mixage, Max Loderbauer (NSI, Sun Electric, …) donne la réplique à Moritz Von Oswald, alors qu’aux percussions, on entend une improvisation continue et enivrante de Vladislav Delay”.

En première partie, signalons la jeune formation française, dscrd, à mi chemin entre Monolake, musique concrète et dub électronique.

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En savoir plus sur le personnage ? Lire notre article “Oswaldologie”.

Écoutez “Belfast” d’Orbital

Branchée sur le Net, Facebook et Soundcloud, la jeunesse tunisienne s’embrase pour l’électro, le dubstep et le hip hop. Voyage dans la Tunisie post-révolutionnaire, à l’occasion du Fest, le Festival des Cultures Numériques de Carthage, quelques mois après la chute du dictateur Ben Ali.

Téléchargez une compilation MP3 représentant les nouvelles tendances de l’électronique en Tunisie, avec entres autres : SKNDR, Shinigami san, ZRK, Ogra, Automnone, Hajej, Krux…

Devant la Cathédrale de Carthage, où a lieu Le Fest, le cadavre calcinée d'une voiture de la belle-famille de Ben Ali, repeinte à l'occasion d'une performance artistique.

C’était le 14 janvier dernier. Sous la pression populaire, le président de la république Tunisienne Zine Ben Ali quittait le pouvoir après vingt-cinq ans de dictature et de répression, entraînant un séisme politique dans l’ensemble des pays du Maghreb et du Moyen-Orient.
Je débarque à Tunis le jeudi 23 juin, cinq mois après la chute du tyran et à peine quelques jours après un procès express par contumace, où la cours l’a condamné à trente-cinq ans de prison et à quarante-cinq millions d’euros d’amende. Dans la voiture qui nous emmène vers l’Acropolium de Carthage, sur la colline de Byrsa, où a lieu le festival à quelques kilomètres de Tunis, Malek, un étudiant qui fait office de chauffeur, écoute quelques tracks d’un dubstep surpuissant sur son autoradio. Au cours de ces quelques jours de rencontres avec la scène musicale tunisienne, ce sont bien souvent les déflagrations et les beats de cette bass music typiquement britannique qui nous accompagneront, semblant apporter leur tempo et leur énergie à toute la jeunesse du pays.
Pourtant, lorsque l’on jette un rapide coup d’œil alentour, Tunis à l’air bien calme. Normal, nous dit-on, la saison touristique est catastrophique. D’ailleurs, dans notre hôtel qui accueille habituellement des touristes venus de toute l’Europe, une grande partie des chambres est occupée par de riches lybiens ayant fui la guerre qui fait rage de l’autre côté de la frontière. Et puis, paraît-il, certains tunisiens hésitent encore à sortir le soir. J’ai même entendu dire que de jeunes internautes avaient développé une sévère addiction à Twitter et à Facebook jusqu’à rester cloîtré chez eux.
« Relâcher la pression… »
Lorsque l’on accède au sommet de la colline qui domine la baie de Tunis, l’ambiance est toute autre. Sur le parking, trônent deux cadavres calcinés de voitures de sport. Saisies lors d’une mise à sac d’une villa de la famille Trabelsi, elles ont depuis été taggées et repeintes de couleurs vives à l’occasion d’une performance artistique. Autour de ces deux vestiges de la tyrannie, quelques centaines de jeunes ont garé leur voiture et écoutent, sur des haut-parleurs crachotant, la techno, le dubstep, la trance ou le hardcore qui font l’ordinaire de millions de fans d’électro à travers le monde. Après les 37° de cette journée ensoleillée, dans la fraîcheur de la nuit, une bière à la main, la jeunesse tunisienne se saoule, se vide la tête et refait le monde au son de Justice ou Green Velvet.
À quelques mètres de là, le festival officiel à lieu dans la magnifique Cathédrale Saint Louis qui, désacralisée, accueille régulièrement des concerts et des spectacles. Avec le petit festival 100Live du Caire, le Fest est le seul du genre organisé dans tout le Maghreb (on annonce toutefois le lancement d’un nouveau festival à Casablanca en octobre). Ici, le programme est pointu et alléchant. Aux côtés d’installations numériques (hélas plutôt fauchées), la scène accueille sur un même pied d’égalité des artistes tunisiens (ZRK, Ogra), le génial Egyptien Mahmoud Refat (patron du 100Live et meilleur concert du festival) ainsi que quelques fines lames européennes (Addictive TV, Kangding Ray, Acid Washed, Surgeon ou Pantha du Prince). Hélas, le public n’est pas toujours au rendez-vous. « Rien d’étonnant à cela », me dit DJ Ogra, l’une des figures de la techno tunisienne. « Dans la cathédrale, la vente d’alcool est interdite et on ne peut pas vraiment prendre de drogue. En ce moment, les gens ont juste envie de se défoncer la tête. Ils veulent écouter de la musique. Mais aussi partir loin. Ce qui est normal après plus de trente ans de pression ».
La tension accumulée ces dernières mois fut en effet extrême. La révolution « de jasmin », réputée pacifique, a eu son lot de morts, de sacrifiés, de violences et de pillages. Et jusqu’en mai, les nuits de la capitale tunisienne ont souffert de nombreux couvre-feu imposés par le gouvernement. Avec son collectif Waveform, Ogra a d’ailleurs bravé l’interdit tout juste deux semaines après la chute de Ben Ali et organisé une gigantesque soirée « Under Couvre-Feu ». « Grâce à Facebook, on a rassemblé plus de 1200 personnes, dix DJ et 6 VJ, dans un hôtel qu’on a littéralement pris d’assaut. Les flics n’ont rien pu faire. Tu avais là toutes les castes de la société, des gens de Sidi Bouzid (une des villes-phares de la contestation, NDR), des friqués, des homos… ».
« Un mois plus tôt, au moment des événements de Sidi Bouzid », renchérit Skander Besbes, alias SKNDR, autre figure du mouvement électro tunisien qui participe à l’organisation du Fest, « on a lancé une grande soirée solidaire au Bœuf sur le toit, un lieu qui rassemblait sur deux scènes une douzaine d’artistes tunisiens. Dans le même ordre d’idée, fin janvier, on a aussi créé une page Soundcloud, Sonic Resistance For Dignity, avec tout un groupe de DJ et de musiciens,  où l’on a enregistré et posté dans l’urgence des morceaux destinés à soutenir ce que j’appellerais « l’effort de guerre » ». Cette initiative, typique de l’atmosphère d’entraide qui règne sur la petite scène tunisienne, a reçu quelques échos à l’étranger. Des musiciens comme High Tone, Filastine, Arnaud Rebotini, DJ Pone ou Atari Teenage Riot se sont joints à un futur projet de compilation, encore inédit. Loco Dice et le label Desolat ont promis de soutenir les jeunes musiciens tunisiens. Et Underground Resistance, le mythique collectif de Detroit s’est même fendu d’un communiqué sur Facebook : « Resistance is no more underground : big up to the people of Tunisia, Egypt and Lybia ». « C’est le genre d’attentions qui nous a apporté pas mal d’énergie, c’est un truc qui nous a fait chaud au cœur » se souvient Skander avec émotion. « Je m’en suis même fait un poster ! ».
Le vendredi et le samedi, l’after du festival a lieu dans un très beau petit club et restaurant, le Kobet Lahwé, à La Marsa, dont la terrasse donne sur la Méditerranée. L’atmosphère est plus électrique que dans la cathédrale. La techno froide et radicale de Bessem, Nejib Belkadhi, Ogra ou Molsen enflamme les corps. Et quand le VJ Boomj mêle à ses visuels colorés quelques images de la chute du dictateur, les danseurs reprennent en chœur un slogan désormais célèbre : « Dégage ! ».

Une musique à haut débit

La scène techno tunisienne est née ici à Tunis il y a à peine dix ans, grâce à quelques DJs et musiciens pionniers comme ZRK, Ogra, Shinigami San, et Skndr, suivis par Hayej, Krux, Molsen ou Automnone. Abdahallah Zarouk, alias ZRK, est l’un des premiers à s’être lancé dans l’aventure. On le rencontre quelques minutes après un set résolument techno donné en ouverture du Fest, où ce musicien timide et affable a joué pour le public quelques beaux maxis signés Robert Hood, Chris Liebing ou Jeff Mills. « J’ai découvert l’électronique à la fin des années 1990, grâce à la chaîne allemande Viva, que je regardais via le satellite » se souvient ce jeune ingénieur de Bizerte qui travaille dans la pétrochimie. « Daft Punk et l’album Homework ont été comme une révélation. J’ai commencé tout de suite à faire de la musique après les avoir découvert ». Depuis, ses productions techno à l’énergie affutée ont trouvé refuge sur des labels anglais, australiens, allemands, français ou canadiens comme Electrax, Android Music ou Brilliant, dépassant rapidement les frontières de son pays.

ZRK, qui fait office de grand frère et de pionnier, a été désormais rejoint par de plus jeunes musiciens comme Krux, converti à l’électronique, non pas par le satellite, mais par le biais du haut débit. « Avant l’Internet, il était très difficile d’écouter ce genre de musique en Tunisie, sauf via quelques amis », rappelle-t-il alors qu’on l’interviewe dans les allées du Fest. « Avec l’arrivée du haut débit il y a cinq ou six ans, on a pu mettre la main sur toutes les musiques du monde ». « Ici », ajoute-t-il dans un sourire, « on peut télécharger gratuitement, ce n’est pas vraiment considéré comme illégal ». Et d’ailleurs, même si lui ou ses potes voudraient acquérir légalement de la musique, cela leur serait bien difficile. Le dinar n’étant pas considéré comme une devise internationale, ils ne peuvent pas s’acheter de morceaux chez des disquaires en ligne comme iTunes Music Store ou Beatport. Ceci explique pourquoi la plupart d’entre eux offrent librement leur musique en téléchargement, notamment sur Soundcloud, un nouveau service en ligne en passe de détrôner Myspace, qu’ils ont pris d’assaut dès son apparition sur la Toile.

Si ZRK œuvre dans le domaine d’une techno qui revendique fièrement ses origines américaines, Krux, remarqué pour une prestation donnée au cours de l’édition précédente du festival (lire Tsugi de juillet 2010), s’inspire plutôt du break et du dubstep. Avec son pote Zied (alias Shinigami San, un des meilleurs musiciens électro tunisiens), il a fondé les soirées World Full Of Bass qui, tout comme le Fest, ont donné un bon coup de fouet à la scène électronique tunisienne encore bourgeonnante. « On a été obligés de créer notre propre scène car notre musique n’intéressait pas trop les boîtes connues de Hammamet ou les bar-restos un peu branchés de Gammarth. Pour l’instant, c’est encore difficile de jouer certaines musiques devant un public non averti, mais je crois que nous n’en sommes qu’au début. Récemment, le dubstep, plus que d’autres styles musicaux, a beaucoup marqué les jeunes et commence à connaître chez nous un petit succès. Je crois que c’est parce que c’est une musique qui défoule. C’est beaucoup plus physique que la techno. Actuellement, les gens ont l’air d’être à la recherche de cette genre de sensation ».

Son compère Bomj, VJ, lui aussi rencontré pendant Le Fest, fait partie comme Krux de ces jeunes militants électros. « Au début des années 2000 » se souvient-il, « la scène rock tunisienne a été beaucoup censurée, il devenait de plus en plus difficile d’aller à des concerts et d’écouter des groupes ». Bomj et ses amis se dirigent alors vers une électronique plus proche du dubstep ou de la hardtek, moins surveillée par le pouvoir et surtout à mille lieux de la house plus commerciale qui fait son apparition dans les clubs plus touristiques et bourgeois de Tunisie. Depuis trois ou quatre ans, Bomj et son pote Hayej organisent même « des genres de free-parties », qu’ils appellent ici des Steppers. « Ca se passe dans des domaines privées comme des fermes par exemple, loin des villes, en plein campagne. On y joue des trucs variés comme du dub, du dubstep, de la hardtek et aussi de l’électronique plus expérimentale. Tiens, il y a tout juste deux semaines, on a organisé une fête avec sept DJ, trois VJ et au moins trois cent personne, au Kef, à environ 150 km de Tunis, près de la frontière algérienne ». Skander renchérit : « la scène a vraiment commencé à bouger vers 2007. Des salles comme le Bœuf Sur Le Toit et la Soukra ont permis à de jeunes artistes tunisiens de jouer sur scène et puis, six mois plus tard, la première édition du Fest a été organisée. Ce qui était nouveau avec ce festival, c’était que les artistes tunisiens étaient traités sur le même pied d’égalité que les artistes internationaux et n’étaient pas que de simple faire-valoir, comme c’était le cas auparavant dans les discothèques plus commerciales. Depuis, on sent que ça bouge. Chaque semaine, dans la région de Tunis, on peut écouter des collectifs dans des petits clubs ou des bars, pour du live ou du mix dans des genres hyper variés. En fait, en ce moment, on assimile la culture électronique en un temps record car on a accumulé un gros retard. Grâce au Net, on découvre en même temps les origines de ce mouvement, comme la musique de Detroit par exemple, mais aussi toute la vague anglaise des années 1990 et bien sûr les tendances les plus récentes. Ca donne une grande liberté aux musiciens, les gens sont encore dans une logique d’écoute et de découverte, c’est ce qui est excitant ».

La compilation rassemblée par Skander, que vous pouvez librement télécharger ici, reflète cet état d’esprit. Autour d’un son plutôt énergique et ténébreux, on peut y découvrir en particulier le « Toys » de Shinigami San (Zied Meddeb Hamrouni), extrait de son album du même nom, récemment publié par le petit label lyonnais, F4T Music, que l’on peut considérer comme l’un des premiers disques majeurs de la scène tunisienne. Sur cette même compile digitale, les pionniers ZRK et Ogra creusent le sillon d’une techno puissante ou mentale, digne de ses aînés américains des années 1990. Automnone signe un excellent track de dubstep élastique et bondissant. Hayej du collectif Steppers, connecte les basses du dubstep aux rythmes et aux chants traditionnels nord-africains. Ynfl-X développe quant à lui les expériences électronica d’Autechre. Et enfin SKNDR signe « Hexagone Machine », un morceau taillé pour les hangars, ou les cathédrales.

Un rôle de passeur
La (petite) scène électronique tunisienne a été boostée par l’arrivée du Fest, un projet un peu fou né en 2007 dans l’esprit d’Afif Riahi, et financé par des fonds européens. « Mon idée », raconte ce franco-tunisien d’une quarantaine d’année, résidant à Paris, mais qui a en grande partie grandi à Tunis, « c’est de jouer un rôle de passeur auprès du public tunisien, pour que les gens aient un moyen de comparaison. Pour l’instant, il s’agit de leur apporter différents sons de cloche, pour qu’ils puissent savoir ce qu’ils aiment. Il y a ici une culture très formatée depuis très longtemps, et qui date d’avant Ben Ali. On n’a pas encore de génération qui a vécu hors tyrannie.  On ne sait pas encore si les jeunes d’ici sont capables d’émettre une opinion approfondie sur la politique, la culture et l’avenir du pays. Il y a encore un long travail à faire. Mais c’est sûr que depuis la chute de Ben Ali, ont sent qu’ils sont hyper motivés, hyper actifs, qu’ils ont une nette envie de voir leur pays prendre une nouvelle direction, reste à leur donner la méthode, pour que ça ne tourne pas à la catastrophe ».
En attendant que la jeunesse se mette en marche, ou réalise les utopies nées avec la révolution, Le Fest offrait donc pour cette cinquième édition, outre les DJ sets des tunisiens ZRK et Ogra, un large panel d’artistes témoignant de la créativité de la scène internationale : la techno mentale, obsessionnelle et avant-gardiste du Britannique Surgeon ; le show vidéo du duo anglais Addictive TV, passé maître dans l’art du sampling et du collage visuel ; les collages sonores techno-poétique du berlinois Pantha du Prince ; le dancefloor néo-disco du duo Acid Washed ; les incroyables déflagrations de basse du français Niveau Zero (beau succès chez les jeunes tunisiens) ; ou enfin l’électronica ultra-dynamique de son compatriote Kangding Ray.
Mais, hormis ces artistes désormais reconnus qui font souvent le succès de nombreux festivals européens, ce sont deux autres personnalités qui ont retenu notre attention au sein de cette programmation. Tout d’abord Julie Rousse, jeune artiste sonore française, venue de l’improvisation, auteure, devant un public hélas clairsemé, d’un live particulièrement inspiré, mêlant textures électroniques, paysages sonores et lointains échos de la vie tunisienne. À quelques mètres de là, la compositrice parisienne présentait d’ailleurs Space 140, une installation sonore réalisée avec le plasticien Franck Ancel, composée de mots et de phrases-clés, lus ou entendus sur les réseaux sociaux, à l’heure de la nouvelle ferveur démocratique tunisienne.
Outre cette révélation française, c’est sans conteste le musicien électronique égyptien Mahmoud Refat qui a dominé ces quatre jours de festival. Venu du Caire, Refat pratique une électronique franchement inédite chez nous, ou d’ailleurs dans tout le reste du Maghreb. Débutant chacun de ses titres à l’aide d’un simple souffle ou de quelques vibrations, à peine plus audibles que le silence, il construit patiemment d’étonnantes architectures rythmiques, loin du dancefloor, mais tout aussi hypnotiques et envoûtantes que les plus belles pièces de techno. Chacun de ses titres se termine dans le chaos, proche du bruit pur, composant de la sorte une forme de transe ultramoderne, aux lointains échos arabes, touchant parfois au génie.
Lorsque l’on discute avec Mahmoud Refat, quelques minutes avec après son concert, le patron du label 100Copies nous raconte qu’il arrive du Caire, où la dernière édition de son festival 100Live vient tout juste de se terminer (les Cairotes ont pu par exemple y découvrir le Français Jackson, les Allemands de Mouse On Mars ou des musiciens égyptiens peu connus chez nous comme Hassan Khan et Maurice Louca). Refat, comme ses collègues tunisiens, a du mal décrire précisément l’influence de la révolution, à laquelle il a participé activement, sur sa musique. « C’est encore trop tôt » nous dit-il, « mais il est vrai que les récents événements du Caire ont apporté aux musiciens comme aux artistes, un surcroît d’espoir, d’énergie et de liberté. Et puis, peut-être que mes récents morceaux, aux ambiances de transe et de chaos, reflètent cet état d’esprit… ».
« Maintenant, il faut foncer »
En Tunisie, si l’électronique défoule les corps et mobilise les énergies, c’est le hip hop qui élève les consciences. Certes, les premiers artistes à s’être élevé contre le système Ben Ali viennent plutôt de la chanson traditionnelle comme Badiaa Bouhrizi, Emel Mathlouthi et Bendir Man. Mais c’est à l’évidence un courageux (et inconscient) rappeur de vingt-et-un ans, Hamada Ben Amor, alias El General, qui a mis le feu aux poudres. Le 7 novembre il poste sur Facebook, Raïs Lebled (Président du pays) et le mois suivant, Tounes Bledna (La Tunisie, Notre pays), deux brûlots rap qui ne plaisent pas vraiment au terrible Ben Ali. El General est arrêté sur l’ordre d’El Presidente, puis libéré grâce à la pression populaire, montrant la voie à des millions d’autres jeunes tunisiens, étouffés par le système et la corruption ambiante.
Depuis, l’initiative d’El General et la Révolution de Jasmin ont comme galvanisé les énergies. Skander se sent par exemple enfin prêt à lancer son label, Hexadécimal, dont il  ruminait la création depuis 2006.  « Par le passé, sous Ben Ali, on hésitait vraiment à monter des projets ou même une simple asso. On pouvait à tout moment se faire voler son idée et il n’existait pas de justice pour nous protéger. Tout cela avait donc fini par nous inhiber. Maintenant, il est évident que l’on va pouvoir se professionnaliser, rémunérer des gens, aider les artistes locaux ». Amine, rencontré au Fest, jeune directeur artistique dans la pub, a ainsi lancé récemment le très beau site Graphik Island, dédié au street-art et à la culture underground. Mehdi Kerrit, bénévole pour le même festival, étudiant en audiovisuel, se dit « super optimiste », voire « idéaliste » face à l’avenir qui s’offre à lui. Récemment, il a réussi à obtenir des fonds pour monter sa start-up, Zoopolis, un portail dédié à l’actualité artistique.
Enfin Ogra, rentré récemment de Paris comme beaucoup d’autres tunisiens, n’entend pas se limiter à organiser quelques fêtes, aussi belles soient-elles. « J’ai récemment monté Le Plug » rappelle-t-il,  « un lieu plutôt techno, destiné aux afters. Mais je planche surtout sur un centre de musique actuelle, un truc privé, à la fois café-concert, studio et structure d’aide à la diffusion ». Un projet qui n’aurait jamais été possible il y a quelques mois, tant l’emprise du Clan Ben Ali sur la vie économique avait fini par décourager la moindre initiative.
Alors bien sûr, dans cette atmosphère postrévolutionnaire encore incertaine (les élections auront lieu en octobre), tout le monde n’affiche pas le même optimisme, ou le même idéalisme. Il y a ceux qui se disent vigilant quant à l’avenir du pays, ceux qui doutent ou même certains cyniques qui ne croient pas une seule seconde la pérennité du changement de régime. Des esprits chagrins selon Ogra, pour qui l’époque n’est plus aux tergiversations : « Franchement, on n’a pas le temps de douter. Il ne faut pas laisser la place à des extrémistes ou à des gens mal intentionnés. Il faut avancer tout court. Et même foncer ».
Ogra n’a sans doute pas tort. Le 27 juin, jour de notre départ, on apprend qu’un groupe de quatre-vingt salafistes, armés de bâtons, de barres de fer et de bombes lacrymo, ont empêché la diffusion d’un documentaire consacré à la laïcité, dans un cinéma du centre-ville. Son titre : Ni Allah, ni maîtres.

Pour ceux qui s’intéressent à la question des cultures numériques et électroniques au Maghreb, sachez que le centre Irisso, organise à Casablanca du 25 au 29 octobre 2011 le festival international des arts numériques (FAN). Le FAN est actuellement  à la recherche d’artistes africains francophones œuvrant  dans les domaines de la performance audiovisuelle (VJ)  et la danse et multimédia. Contactez pour cela : Majid Seddati : majid.seddati1@yahoo.fr

Nous republions ici la courte chronique que nous lui avions consacré à l’occasion de la sortie de la nouvelle version de l’ouvrage.

Le mouvement techno s’est bâti sur un mythe fondateur, celui de Detroit et de la Sainte Trinité de ses musiciens pionniers : Juan Atkins, Derrick May et Kevin Saunderson. On connaît donc le mythe mais finalement assez peu l’histoire, la vraie. Publié en 1999, et largement revu dans sa nouvelle édition, le livre de Dan Sicko Techno Rebels raconte avec force détails (et dans un anglais facile) les premières années de nos techno-pionniers. Le livre démarre au début des 80’s, au sein de la scène des high-school parties, dans laquelle adolescents et étudiants, noirs ou blancs, vibrent au son de Kraftwerk, Telex, Visage, Moroder ou l’italo-disco. Au fil de l’ouvrage, l’auteur, originaire de Detroit lui-même, évoque les DJs pionniers de l’époque comme Ken Collier, The Wizzard (Jeff Mills) ou Mojo ainsi que leurs héritiers des années 1990 comme Carl Craig et UR. Il détaille la production de la mythique compilation Techno : The New Dance Sound of Detroit, la rencontre des pionniers avec la scène rave anglaise, les débuts discographiques de Jeff Mills dans la musique industrielle, les premières soirées du Music Institute où officie le jeune Richie Hawtin ou, plus amusant, la découverte par le même Hawtin du hardcore hollandais, tendance hooligan et facho. Le livre regorge aussi d’anecdotes croustillantes. Saviez-vous que le surnom de Juan Atkins était Obi Juan ? Et que les pontes du label anglais ZTT avait imaginé faire signer le duo Juan Atkins-Derrick May afin de les transformer en Pet Shop Boys noirs ? (JYL)

Dan Sicko Techno Rebels, The Renegades of Electronic Funk – second edition revised and updated (Wayne State University Press)

La statio radio britannique vient de mettre la main sur quatre heures d’enregistrement d’un mix de 1979, du DJ de légende, Larry Levan.

Enregistrée lors du 2e anniversaire du club, le Paradise Garage, et diffusée alors en live sur une station radio new-yorkaise, ce mix est une rareté car il existe très peu d’enregistrements de ce DJ décédé en 1992 à l ‘âge de 38 ans et considéré par de nombreuses personnalités de l’univers de la dance-music, comme l’un des premiers DJ de l’ère moderne et l’un des plus audacieux de son temps.

Un mix très disco et résolument vocal, dont l’énergie et la tension continue, proches la transe, nous font un peu mieux comprendre les récits exaltés qu’ont souvent livré les adeptes de cette discothèque mythique de la fin des années 1970 et du début 1980.

À écouter sur le  site de la station radio  jusqu’au 31 juillet 2011. (attention, il y a toute une présentation, en anglais, du Paradise Garage, de l’histoire de cette bande, avant le lancement du mix).

Inspiré par la musique électronique, les phénomènes de transe et la figure du clubbing, le chorégraphe Alexandre Roccoli apporte un souffle de mystère à la danse contemporaine.

Comme un rêve, un cauchemar, une nuit de transe ou un trip hallucinogène, les spectacles d’Alexandre Roccoli imprègnent durablement la mémoire, sous la forme de scènes-chocs ou de visions fugitives. Des corps epileptiques entrevus à travers la pénombre, des formes étranges et noires errant à travers les décors, des flashs de lumière blanche illuminant les danseurs, des silhouettes fantômes de DJ apparaissant en fond de scène… composent un univers dans lequel règnent l’illusion et le mystère. Dans Drama Per Musica, présenté récemment au Centre Pompidou et aux Subsistances de Lyon, les danseurs, défiant les lois de l’apesanteur, transformaient l’architecture et le décor du plateau en un vaisseau fantôme aux voiles noires. Dans Last Last, présenté au printemps 2011 pour l’ouverture de la programmation Berlin Next à la Gaîté Lyrique, le plateau, plongé dans la pénombre, traversé de lueurs lointaines et de visions ectoplasmiques, accueillait une suite de scènes étranges dont la puissance poétique et la trouble séduction évoquaient l’art onirique d’un David Lynch ou les univers post-apocalyptiques de la science-fiction.

Donner à voir
Ces spectacles, dont Alexandre Roccoli assure la chorégraphie et la direction artistique, mis en scène avec Séverine Rième ou le collectif Last Last, résonnent plus encore grâce à leurs riches bandes-son, dans lesquelles s’entrechoquent sons électroniques, beats robotiques, boucles de voix, samples obsédants ou chansons d’outre-tombe. Depuis son premier solo créé en 2005, Ersatz (when was the last time you sweat on a dancefloor) ? (litt. « Quand as-tu sué pour la dernière fois sur une piste de danse ? »), ce danseur et chorégraphe mi-lyonnais, mi-berlinois est en effet fasciné par la musique électronique et collabore régulièrement avec des musiciens issus de cet univers, comme les Français Chloé, Acid Washed  ou aux côtés des Berlinois Ellen Allien et Pantha Du Prince. Dans chacune de ces pièces, la musique et les créations sonores composées par les musiciens, jouent un rôle primordial, au-delà d’une simple bande originale dont la fonction se résumerait à illustrer le spectacle ou à guider les danseurs. Ce qui intéresse le chorégraphe ici, c’est comme il le dit si joliment lui-même, « comment entendre peut donner à voir », c’est-à-dire comment la musique, répondant à la pénombre dans laquelle ses danseurs évoluent, peut susciter l’imaginaire des spectateurs. Les très belles pièces signées récemment par Ellen Allien pour Drama Per Musica et Hendrik Weber (alias Pantha Du Prince, qui a collaboré à la mise en scène de Last Last) participent entièrement à la fascination que peuvent exercer ces spectacles qui plongent volontiers les spectateurs dans un état d’hypnose et d’abandon.

Révélation berlinoise
Originaire de l’univers de la danse contemporaine, Alexandre Roccoli possède un parcours quelque peu atypique. Formé à Montpellier chez la chorégraphe Mathilde Monnier en 1998, il intégre un an plus tard le célèbre Théâtre du Soleil d’Ariane Mnouchkine où il incarne dans Tambours sur la digue, le rôle d’un manipulateur de marionnettes inspirées du Bunraku japonais. Après un passage chez Jan Fabre, autre metteur en scène hors-normes, il part étudier les rituels de danse masquée au Sri Lanka avant de s’établir définitivement à Berlin en 2004, à l’heure de la renaissance de la scène techno et de l’émergence de la prolifique vague minimale. « J’ai débarqué là-bas dès 2002 à la réouverture du Berghain. J’avais quitté la France, parce que je ne me sentais pas trop en concordance avec ce que l’on appellait à l’époque la non-danse, une forme de déconstruction du genre ». La nouvelle ferveur techno de la capitale allemande le fascine. L’atmosphère « extatique » des célèbres after-parties, dans lesquelles les nuits semblent durer des jours, lui rappelle les cérémonies et les rituels sri-lankais au cours desquels les hommes peuvent danser plus de quarante-huit heures. Tout en s’imprégnant de la musique de l’époque, il observe les comportements des danseurs et l’atmosphère des clubs, dont il s’inpire pour ses chorégraphies. « La première partie de Drama Per Musica s’intitule par exemple « Into The Beat ». On peut y voir comment un corps peut être affecté par différents tempos, comment ton bras peut avoir une rythmique et ta jambe une autre, comme en quelque sorte la musique peut littérallement traverser le danseur. Dans le nouveau Berghain, tu as des points de vue plongeant sur le dancefloor et tu peux observer ce qu’il s’y passe, voir comment la masse des danseurs ressemble à un organisme vivant. Même si les danseurs ne se touchent pas, ou ne se touchent plus, il semble y avoir tout de même une circulation, une transmission du geste. Et puis ce qui m’a marqué aussi chez ces danseurs d’after, c’est comment les corps, en répétant inlassablement les mêmes gestes, finissent par tanguer, par dériver. D’une façon plus générale, dans mes spectacles, je m’intéresse à la manière dont l’écriture chorégraphique peut être mise en parallèle avec l’écriture du son, l’idée de la répétition, du scratch mais aussi du bug. Comment l’art de la composition et du sampling peuvent se retrouver aussi à travers le corps ».

Un corps en soi
Dès lors, les spectacles auxquels il participent ou qu’il met en scène croisent régulièrement l’univers du clubbing. Outre les récents Drama Per Musica et  Last Last, il collabore en 2006 à la production et à la chorégraphie de l’opéra After Hours (inspiré du film éponyme de Martin Scorsese !) dont les représentations ont lieu dans l’espace-même du gigantesque club Berghain. En 2007, il met en scène Playground au Radial System, une ancienne usine hydraulique berlinoise, dans lequel il confronte les compositions électroniques et obsédantes de Chloé aux classiques de la musique minimaliste contemporaine interprêtés par le  Redux Orchestra. La même année, il présente A Short Term Effect, une chorégraphie pour trois danseuses et trois platines, sur lesquelles défilent quelques fragments empruntés à Nico, Grace Jones et Amanda Lear, trois créatures mythiques de l’histoire du clubbing.
C’est d’ailleurs sans doute cet intérêt pour les atmosphères nocturnes qui a poussé Alexandre Roccoli à explorer l’idée de la pénombre dans ses spectacles. Et c’est justement cette pénombre, à l’intérieur de laquelle surgissent ou apparaissent ses danseurs, ses personnages ainsi que les figures et les silhouettes de musiciens comme Pantha Du Prince ou Ellen Allien (présents et actifs lors des spectacles) qui confèrent à ses mise en scène ce caractère de mystère et de magie. « Dans mon travail, ce qui me passionne, c’est de parvenir à susciter l’ imaginaire chez le spectateur à la fois à l’aide de cette pénombre et de la bande-son, et de montrer in finé comment le son peut devenir un corps en soi ».

http://alastlast.tumblr.com/

Auteur de puissants lives audiovisuels et d’installations spectaculaires, l’artiste japonais s’annonce comme la nouvelle star d’un art numérique, humaniste et techno.

Rheo, ARS Electronica, Tabakfabrik, Linz, 2010 Credit: rubra / Ars electronica

À découvrir avec Ground, installation audiovisuelle, jusqu’au 14 août à Lille dans le cadre de l’exposition Paranoïa ; et Octfalls, installation audiovisuelle, présentée jusqu’au 27 novembre 2011 à l’Arsenal Novissimo, à l’occasion de la 54e Biennale de Venise.

Avril 2011. Festival Nemo. Nous sommes religieusement assis face à l’autel de l’église Saint-Denys de l’Estrée, près de Paris. En lieu et place du prêtre, trois écrans gigantesques, auréolés d’un puissant sound-system, diffusent Rheo, un concert audiovisuel aux images et aux sons foudroyant, imaginé par Ryoichi Kurokawa. L’artiste est placé à quelques mètres de hauteur et occupe la place traditionnellement dévolue à l’organiste. Armé de trois laptops, le Japonais (né à Osaka, mais désormais Berlinois) contrôle les images comme la bande-son de ce spectacle mêlant paysages, éléments naturels et abstractions graphiques. Orfèvre du numérique, Kurokawa fait scintiller l’image, créé d’étonnantes formes géométriques, fabrique des matières de lumière et de pixels, qui parfois se décomposent avant de nous plonger dans de singuliers paysages arctiques ou désertiques. Côté sonore, Kurokawa joue avec la même dextérité entre sons naturels et numériques, compose une électronica aux textures terriennes et aux échos aériens, hésitant constamment entre nature et artifice. Cette sorte d’opéra audiovisuel, à l’esthétique panthéiste, dédié aux lois et aux forces de la nature, prend même un relief particulier, quelques jours après le tremblement de terre, le Tsunami et l’accident de la centrale de Fukushima. Le spectacle, spiritualiste et cependant terriblement techno, se termine d’ailleurs sur ces quelques mots : pray for Japan.

Au-delà du VJ
Dans cette église de Saint-Denis, le public semble subjugué, tout comme des milliers d’autres qui ont déjà découvert depuis le milieu des années 2000 les installations et les lives audiovisuels de cet artiste trentenaire, présentés à l’occasion de festivals comme Cimatics à Bruxelles, Mutek à Montréal, Transmediale à Berlin ou le Sonar de Barcelone. Kurokawa est en effet l’un des représentants les plus inspirés de cette nouvelle génération d’artistes pratiquant le live A/V (pour audio/visuel) et que l’on retrouve de plus en plus dans ces manifestations qui marient musique électronique et art numérique. Kurokawa s’inscrit dans la lignée d’un Ryoji Ikeda, ou de son confrère allemand Carsten Nicolaï, à la fois musiciens, artistes contemporains et créateurs visuels, qui furent les premiers, il y a une dizaine d’année, à avoir exploré sous l’aide de performances, cette nouvelle esthétique du numérique qui puise son inspiration dans les arts plastiques comme les expériences de la techno, de l’électronica et de la musique concrète.
Cependant, Kurokawa n’a que peu de choses à voir avec de trop nombreux VJ (vidéo jockey), dont les shows colorés ou les spectacles complaisants encombrent encore trop souvent les festivals. Comparé à de nombreux lives uniquement basés sur les performances techniques, le tape à l’œil et les effets sonores (imaginez la Foire du Trône, ajoutez-y un feu d’artifice et vous y êtes), le Japonais apporte à cette scène trop souvent obnubilée par la puissance de ses logiciels, de l’humanisme, un sens du pictural et du mouvement, bref une innovation plastique tout à fait inédite. On vous aura prévenu, les années 2010 s’annoncent sous le signe de l’A/V. (Jean-Yves Leloup)

http://www.ryoichikurokawa.com/

Découvert la semaine dernière à Montréal pour sa venue au 12e festival Mutek,l’argentin Pedro Canale apporte un vent frais et exotique à l’électronique. Il y a quelques mois d’ailleurs, l’excellent magazine et site américain XLR8R invitait l’argentin, mieux connu sous le pseudo de Chancha Vía Circuito, pour un mix diffusé en podcast, faisant la part belle aux productions de son collectif et label argentin ZZK, comme Villa Diamante, Sonidero Cordobestia ou Tremor. Le mix peut être écouté sur la page de XLR8R. Un set surprenant pour nos oreilles européennes, à mi-chemin entre le minimalisme de la house et de la techno des années 2000 et l’art de la percussion sud-américain. Nous en parlions déjà il y a trois ans dans notre article International Ghetto Beats.

Inspirée par les techniques de mapping popularisées notamment en France par les artistes 1024 Architecture (souvenez-vous du “Square Cube” d’Étienne de Crécy) et AntiVJ, le show d’Amon Tobin et son grand succès auprès du public impose définitivement cette nouvelle forme de concerts audiovisuels (on parle désormais de “live A/V”) conjuguant multi-projections, effets plastiques et recherches numériques. Créé par l’équipe de Vita Motus Design et Leviathan, cette « live visual experience » conjugue jeux d’échelle, architecture, effets d’optique et de lumière dans un tourbillon d’effets parfois poétiques, souvent impressionnants mais aussi, il faut bien l’avouer, parfois tape-à-l’œil. Quoi qu’il en soit, l’expérience vaut d’être vécue.

Alors, à quoi cela ressemble-t-il vraiment ? La réponse en image avec ce mini-reportage réalisé lors du Mutek 2011.

Et voici un mini-documentaire qui retrace la préparation du live, avec l’équipe d’Alex Lazarus, Vita Motion Design, V Squared Labs et Leviathan.